Fernando Botero Dipinti, Biografia, Idee – Fernando Botero

Dipingendo in uno stile distinto noto come “Boterismo”, Botero descrive i suoi soggetti come sproporzionatamente rotondi, spesso infondendoli con ironia o amplificando una piega politica.

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Botero è l’artista vivente più conosciuto e più amato del Sud America. Pittore e scultore figurativo, il suo stile – conosciuto nel mondo dell’arte come “Boterismo” – è immediatamente riconoscibile per la sua forma volumetrica esuberante e sensuale. Le sue figure e gli oggetti rotondi, che sono spesso infusi con un senso di umorismo affettuoso e fascino, hanno visto i distrattori dell’artista liquidarlo come poco più che un “pittore di persone grasse”. In effetti, la sua opera mostra una gamma tematica impressionante. Oltre alle sue scene di vita quotidiana colombiana; i suoi ritratti umani e animali; e la sua serie di deliziose nature morte, Botero si è dimostrato disposto ad affrontare argomenti più apertamente politici a testa alta. Questi pezzi hanno incluso serie sulla lotta ai cartelli della droga in Colombia e presunte violazioni dei diritti umani perpetrate dall’esercito americano in Iraq. Botero ha anche prodotto una piccola, ma altamente distintiva, rielaborazione di opere iconiche dal canone dell’arte occidentale.

Per Botero, qualunque sia il suo soggetto, il suo tema “è la Colombia ed è sempre stata la Colombia”; e nonostante i lunghi soggiorni a New York e Parigi, “non aveva mai avuto la sensazione di dipingere un soggetto americano o francese […] l’arte – e l’artista”, ha detto, “deve avere radici nella sua stessa terra , nella sua stessa vita: la mia vita è in Colombia, e la mia terra è la Colombia”.

Progressione dell’arte

In questo vibrante dipinto, Botero presenta un gruppo di artisti circensi che sembrano essere seduti in giro, fuori dalle loro roulotte prima o subito dopo uno spettacolo. Una donna grande e carnosa che indossa un bikini blu, stivali marroni al ginocchio e un copricapo dorato con una piuma rossa, giace su un tappeto viola con un serpente rosso e giallo che le striscia sul corpo. Accanto a lei, un piccolo cane bianco con un collare rosa e un cappello bianco a punta siede sulle zampe posteriori. Dietro il cane c’è un uomo seduto su una scatola verde con una scimmia in mano. Alla sua destra c’è un uomo grosso e muscoloso in calzamaglia verde e una canottiera rossa, in procinto di ingoiare una spada. Accanto a lui c’è un nano vestito con un costume da clown bianco. Dietro di lui una donna vestita di verde apre la saracinesca di una roulotte. Sullo sfondo si vede un tendone a strisce rosse e gialle e, oltre, un paesaggio di alberi e montagne. Nel 2006, dopo aver trascorso circa un decennio su argomenti “difficili”, Botero è tornato a temi più piacevoli nella sua arte. Dice che lavorare alle serie Violence e Abu Ghraib è stato “triste”, “deprimente” ed “emotivamente estenuante”, quindi lui e sua moglie Sophia si sono presi una vacanza in Messico. Mentre si trovavano nella città costiera di Zihuatanejo, hanno visitato un circo itinerante. Botero fu subito colpito dai colori, dai movimenti e dai personaggi del circo, e trovò in essi il soggetto ideale per la sua arte. Osserva che “il circo era stato un tema molto attraente per molti artisti noti e meno conosciuti, un soggetto dignitoso nel lavoro di Renoir, Seurat, Lautrec, Picasso, Chagall, Léger, Calder e molti altri”. Botero ha prodotto più di 120 dipinti ad olio e 200 disegni su questo tema. Lo scrittore d’arte Curtis Bill Pepper scrive che “le forme esagerate distintive di Botero completano perfettamente l’atmosfera esagerata del circo”. Lo stesso Botero spiega che “Non c’è altra attività umana che presenti l’artista visivo con il corpo umano in pose come il circo. […] Allo stesso tempo, c’è la poesia che cattura la filosofia di vita: persone nomadi che vivono in carri e che hanno il circo come sfondo permanente della loro vita”. Il circo che ha ispirato Botero era un circo “povero”, quello che ha definito “una versione molto latinoamericana di un tema universale”. Come osserva suo figlio e biografo Juan Carlos Botero, i personaggi delle opere del “Circo” indossano le difficoltà della loro vita nelle loro espressioni, ma l’artista non li deride o li deride da una posizione superiore. Invece, li tratta con umanità, e li ritrae con un umorismo gentile e tenero, decisamente “non divertente”.

In questo dipinto straziante, tre uomini nudi e bendati giacciono su un pavimento marrone, davanti a sbarre di ferro che indicano che si trovano in una cella di prigione. Sangue rosso brillante è visto sul muro sul lato sinistro, così come sugli uomini, in particolare sulle ginocchia, spalle, gomiti, mani e glutei. I due uomini più vicini allo spettatore giacevano su un fianco, con le spalle allo spettatore e le mani legate dietro la schiena. Non è chiaro se siano vivi o morti. Entrambi indossano bende verdi. Anche l’uomo al centro ha i piedi legati con una corda. L’uomo più indietro è in ginocchio e sugli avambracci e il vomito gli esce dalla bocca. La sua benda è rossa. Dopo aver prodotto la sua serie sulla violenza della droga in Colombia, Botero ha continuato a lavorare con argomenti inquietanti basati su eventi reali. Questo lavoro deriva dalla sua serie Abu Ghraib, che comprendeva ottantacinque dipinti e cento disegni ispirati alla notizia scioccante delle torture disumane dei prigionieri iracheni per mano dei soldati americani. Botero dice che quando ha letto questa notizia, “ho subito sentito che dovevo fare qualcosa al riguardo. Ho dovuto alzare la voce come artista per denunciare l’orrore commesso dagli Stati Uniti, e l’ipocrisia delle sue denunce dei diritti umani violazioni in altre parti del mondo”. L’avvocato per i diritti umani Marc Falkoff scrive che la serie Abu Ghraib di Botero è un “progetto meraviglioso” che inizia “a ripristinare la nostra umanità rendendoci visibili le vittime del nostro compiacimento. […] In tempi come questi, dobbiamo fare affidamento sull’arte – il grande veicolo di empatia – per restituirci la nostra innata compassione […] e spingerci verso la protesta e l’impegno”. Come con la sua serie Violence, Botero ha rifiutato di trarre profitto dalle opere e ha invece promesso di donarle a qualsiasi museo che avrebbe accettato di esporle in modo permanente. La galleria di New York di Botero, che per prima ha esposto le opere di Abu Ghraib, ha ricevuto lettere di odio da parte di alcuni che interpretavano l’opera come antiamericana. Era un’accusa fortemente confutata dall’artista: “Anti-americano non è… Anti-brutalità, anti-disumanità, sì… Sono sicuro che la stragrande maggioranza delle persone qui non lo approva. E il La stampa americana è quella che ha detto al mondo che sta succedendo. Hai la libertà di stampa che rende possibile una cosa del genere”.

Car Bomb , una composizione vertiginosa, caotica, nasce da una serie di ventisette disegni e ventitré dipinti prodotti da Botero che si concentrano sulla violenza legata alla droga in Colombia. In primo piano un’automobile blu che esplode si sgretola mentre le fiamme esplodono attraverso i finestrini e il parabrezza e i pezzi blu e grigi dell’auto distrutta vengono proiettati verso l’esterno. Sullo sfondo, l’esplosione ha colpito le case vicine che stanno crollando, i loro balconi, le porte e le tegole del tetto sono inclinate. Altre opere della serie “Violence” includono El Cazador (1999), in cui un uomo con in mano un fucile mitragliatore sta con un piede su un cadavere crivellato di proiettili, e Massacre in the Cathedral (2002), che mostra le conseguenze di un attacco missilistico ribelle che ha ucciso 120 cittadini. Molte delle opere della serie giustappongono scene drammatiche a scenari e paesaggi tranquilli e placidi, evidenziando l’orrore della violenza della droga nel paese. Il giornalista colombiano Juan Forero osserva che “sebbene i dipinti e gli schizzi della collezione bellica mantengano i colori brillanti e la trama nitida delle altre sue opere, sono pieni di energia grezza e agonia”, mentre Elvira Cuervo de Jaramillo, direttrice del Museo Nazionale di Bogotá, dice che ”Ciò che [Botero] trasmette è un dolore immenso quando vediamo figure di massacri, di morte, di torture. Non producono piacere, né sorrisi. Hanno lo scopo di commuoverti. Ti gelano fino alle ossa”. La serie Violence di Botero non descrive eventi reali, ma piuttosto mostra la visione dell’artista di ciò che stava accadendo nel suo paese. Spiega anche che non si faceva illusioni sul fatto che le opere avrebbero contribuito a ridurre violenza in Colombia, ma sperava piuttosto che servissero da “testimonianza di un momento terribile, un periodo di follia in questo paese […] “Se fanno impressione sul pubblico, ho completato la missione di mostrando l’assurdità della violenza”. Come nota a piè di pagina, ha spiegato che “non aveva intenzione di guadagnare soldi sfruttando il dramma della Colombia”, e invece di andare in vendita, ogni opera della serie doveva essere donata gratuitamente a un museo , affinché il popolo colombiano ” possa vedere la propria storia”.

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In quest’opera, Botero ha ricreato la composizione del Ritratto Arnolfini (1434) di Jan van Eyck, rimanendo fedele alla composizione originale, alla cromia e ai principali dettagli simbolici (come il cane che rappresenta la lealtà e la nobiltà, e il frutta sul davanzale che rappresenta il peccato originale). Tuttavia, ha gonfiato le snelle figure di van Eyck (in particolare l’uomo e la donna sposati, così come il cane ai loro piedi), presentandole come rotonde e paffute secondo il suo stile “Boterismo”. Botero aveva visitato numerose volte l’opera originale di van Eyck alla National Gallery di Londra e aveva creato molte delle sue versioni, a partire dagli anni ’70. Scrive la direttrice artistica Alice Invernizzi che, “In ogni diversa versione Botero ha modificato la composizione, concentrandosi soprattutto sul rapporto tra lo spettatore e gli spazi”, e afferma che la versione di Botero è unica nel “modo in cui usa l’illusionismo pittorico per affermare e allo stesso tempo compromettere il concetto di realismo in pittura”. Invernizzi aggiunge che Botero si è presa la libertà di presentare la figura femminile come definitivamente incinta, con la mano appoggiata semplicemente sul ventre, mentre la maggior parte degli storici dell’arte ora concorda sul fatto che la figura femminile nel ritratto di van Eyck non è incinta, ma piuttosto raccoglie e regge il tessuto pesante del suo vestito alla moda in mano. Botero ha reso omaggio a diversi capolavori della storia dell’arte, utilizzando lo stile Boterismo per trasformare La Gioconda di Leonardo da Vinci (1503) in Monna Lisa, Age Twelve (1959), La Fornarina di Raffaello (1518-20) nella sua La Fornarina (2009) , e Las Meninas (1656) di Diego Velázquez in La Menina (1982). Botero ha spiegato che i temi di queste famose opere “sono così importanti per me man mano che diventano popolari e appartengono più o meno a tutti. Solo così posso fare qualcosa di diverso con loro. A volte voglio solo capire un dipinto in modo più profondo e completo, la sua tecnica e lo spirito che lo guida”. Sembra, inoltre, che il Ritratto di Arnolfini sia stato un’opera ideale per l’adattamento di Botero poiché gli ha permesso di gioire della voluminosa qualità della figura umana nell’arte contemporanea (e anche del dettaglio della retrovisione delle figure colte sul specchio convesso a parete).

Per le sue numerose sculture pubbliche, Botero lavora con il bronzo, anche se quando ha iniziato a sperimentare con la scultura a metà degli anni ’60, i limiti finanziari lo avevano costretto a lavorare con resina acrilica e segatura . Questi primi lavori si sono rivelati troppo porosi e non è stato in grado di produrre la finitura desiderata. Man mano che il suo successo cresceva, tuttavia, riuscì a permettersi materiali migliori (e aprì persino uno studio di scultura dedicato a Pietrasanta, in Italia). Questa scultura in bronzo di grandi dimensioni rappresenta una donna corpulenta sdraiata a pancia in giù. Tiene uno specchio nella mano sinistra mentre gira la testa a sinistra. La sua mano destra si tocca i capelli in modo civettuolo; la sua espressione serena e pensierosa. In questa, e in simili sculture pubbliche, Botero traduce la voluminosità che caratterizza i suoi dipinti in esuberanti forme tridimensionali. In effetti, il figlio (e biografo) di Botero, Juan Carlos, suggerisce che anche se collocati in luoghi grandiosi, come Piazza della Signoria a Firenze o Park Avenue a New York City, questi pezzi non vengono mai “schiacciati” o sminuiti dall’architettura vicina. Molte delle sue sculture sono state collocate in luoghi pubblici all’aperto con l’idea che pedoni e passanti possano interagire con le opere (si vedono spesso bambini, ad esempio, arrampicarsi e giocare sulle sue figure giganti). Infatti, Botero disegna le sue sculture per provocare sentimenti di felicità e piacere. Di Woman with the Mirror , lo storico dell’arte Edward J. Sullivan scrive che “È impossibile non apprezzare la scultura di Fernando Botero, una conseguenza della costante ricerca dell’artista colombiano per la tridimensionalità che pervade i suoi dipinti popolari di endomorfi gonfi. Le sue donne scolpite sono monumentali oceani di carne, invitanti e vulnerabili allo stesso tempo […] Chiassosi e toccanti allo stesso tempo, con echi dell’arte precolombiana, le sue sculture di grandi dimensioni sono una commedia umana per il nostro tempo”.

In questo lavoro, Botero dipinge una natura morta con frutta e un violino seduto su un ripiano del tavolo avvolto in tessuto rosa chiaro. Gli oggetti nell’immagine sono stati rappresentati con la voluminosità a cui sarebbe stato associato il nome di Botero. I frutti sono carnosi e il violino apparentemente gonfiato si gonfia verso l’esterno lungo i bordi. Anche il tessuto ha una qualità spessa e “grassoccia”. Per Botero, la pittura in questo modo esprime “la sensualità della forma e la voluttà e l’esuberanza della natura espressa nell’arte” e funziona così per suscitare “piacere” nello spettatore. Rispondendo alla visione comune dei suoi oggetti e figure dipinti come “grassi”, Botero afferma che un termine più accurato sarebbe “volumetrico”. Spiega: “Sono convinto che la pittura debba essere generosa, sensuale, voluttuosa, e ho scoperto un modo per esprimere questa sensualità ingrandendo forme e volumi. Vedete, non è un commento sulla grassezza o sulla magrezza; è il riflesso di una certo modo di concepire la bellezza nell’arte”. Nello specifico, Botero considera la natura morta la forma più pura che un artista possa dipingere. Afferma che, se un artista può immaginare una raccolta di frutta, ad esempio, “Mostra il grado di convinzione […] Rende il [suo] stile più forte e più chiaro”. Botero non si occupa, quindi, di rappresentazioni letterali di persone o oggetti. Di un’arancia (il suo frutto preferito da dipingere) dice: “la guardo, poi la mangio, poi la dipingo” aggiungendo che “non ho mai lavorato con le modelle né ho mai messo un pezzo morto di natura sulla tavolo per dipingerlo […] Non ho mai voluto essere prigioniero della realtà”. La prima opera in cui ha imparato il suo stile Boterismo è stata infatti una natura morta con un mandolino, dipinta nel 1956 e ha continuato a dipingere nature morte di Boterismo, tra cui Natura morta con gelato (1990) e Natura morta con libri (1999) , nel corso della sua lunga carriera.

In questo, uno dei primi dipinti di Botero, vediamo una figura dalla pelle scura, con i capelli lunghi, che indossa una camicia con colletto rosa chiaro, con le maniche arrotolate fino ai gomiti, abbinato a pantaloni marrone chiaro. La figura è seduta su un tavolino marrone, con le mani appoggiate sul tavolo. Dietro il tavolo c’è un muro bianco, su cui vediamo parte di due opere d’arte su entrambi i lati della figura. La testa della figura è leggermente inclinata a destra. Gli occhi non sono resi in dettaglio, quindi non siamo sicuri se stanno guardando lo spettatore o leggermente in basso e di lato. Prima di sviluppare il suo caratteristico stile “Boterismo”, Botero ha sperimentato la ricreazione di vari stili storici. Divenne così abile in una gamma di stili che, alla sua prima mostra in Colombia nel 1952, molti visitatori credettero che fosse una mostra collettiva. Quest’opera mostra l’influenza dei pittori postimpressionisti, come Gauguin e Cézanne, con il suo corso, pennellate visibili. Questo è in netto contrasto con lo stile successivo di Botero, in cui la pennellata è trasparente e le superfici sono rese lisce. Il dipinto precede anche la distorsione delle dimensioni di figure e oggetti che caratterizza “Boterismo” e la tavolozza di colori vibranti che Botero adottò dopo il suo soggiorno in Messico nel 1956.

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Biografia di Fernando Botero

Infanzia

Fernando Botero, secondo di tre figli, nacque da David Botero, commesso viaggiatore, e Flora Angulo, sarta. Suo padre possedeva un’impressionante collezione di libri, inclusi volumi illustrati sulla Rivoluzione francese e Dante’s, che il giovane Fernando si divertiva a sfogliare. Suo padre morì di infarto quando Fernando aveva solo quattro anni e suo zio assunse il ruolo di figura paterna nella sua vita.

Sebbene sia cresciuto a Medellín, La seconda città più grande della Colombia (dopo Bogotá), Botero non aveva molta esposizione a gallerie d’arte o altre attività culturali. Tuttavia, fin dalla tenera età fu influenzato dall’imponente stile barocco delle chiese coloniali spagnole della città, di cui disegnò , e dal precolombiano (il paese ottenne l’indipendenza dalla dominazione spagnola nel 1819) reperti conservati in collezioni museali locali. Lui e i suoi amici hanno anche dipinto scene di strada del quartiere a luci rosse della città.

Quando Botero aveva dodici anni, suo zio lo mandò a studiare in una scuola per matador dove rimase per due anni. Tuttavia, era più interessato all’arte e si divertiva a disegnare e dipingere acquerelli di tori, paesaggi e nature morte. Un commerciante di biglietti per le corride ha individuato il talento del ragazzo e ha sovvenzionato i suoi profitti dalla vendita dei biglietti vendendo alcuni degli acquerelli di tori e matador di Botero. Quando aveva solo sedici anni, Botero ha partecipato a una mostra collettiva con altri artisti colombiani e le sue illustrazioni sono state pubblicate su , uno dei principali giornali di Medellín.

Botero ha utilizzato il pagamento in contanti per pagare le tasse universitarie al Liceo de Marinilla de Antioquia. Ha anche scritto un articolo su Pablo Picasso per un giornale locale, in cui affermava che “la distruzione delle forme nel cubismo rifletteva la distruzione dell’individualismo nella società moderna” . La pubblicazione dell’articolo è stata interpretata come una dichiarazione marxista e lo ha visto espulso dalla scuola. Botero ha ricordato: “Il preside ha detto: ‘Non possiamo accettare mele marce nella scuola. Questo danneggerà gli altri studenti.’ Il maccartismo non era solo in America ma anche in America Latina, e tali espressioni innocenti non erano accettate”. La battuta d’arresto non sminuì la sua ambizione, tuttavia, e all’età di diciannove anni Botero era certo di voler diventare un pittore. Sentendo la dichiarazione del figlio, sua madre ha avvertito: “Morirai di fame”.

Istruzione e formazione iniziale

Tra il 1949 e il 1950, Botero ha lavorato a Medellín come scenografo. Si trasferì quindi a Bogotá dove tenne la sua prima mostra personale alla Galería Leo Matiz nel 1951. A quel tempo aveva iniziato a sperimentare con le proporzioni e le dimensioni delle figure, ma le opere che presentava erano così varie, mostrando influenze che andavano da Gauguin a Diego Rivera, che i visitatori presumevano si trattasse di una mostra collettiva. Ogni opera è stata venduta, però. Il ventenne Botero vinse il secondo premio al Bogotá’s e subito dopo, grazie ai guadagni delle sue vendite in galleria, viaggiò in Europa in barca, arrivando a Barcellona nel 1952. Trasferitosi a Madrid, studiò all’Academia de San Fernando , e ha trascorso del tempo al Museo del Prado copiando le opere di Francisco de Goya e Diego Velázquez (riuscendo persino a vendere alcune delle sue riproduzioni). Nel 1953 si trasferì a Parigi dove trascorse molte ore a scrutare le opere al Louvre. Successivamente, tra il 1953 e il 1954, visse a Firenze, dove studiò pittura ad affresco all’Accademia San Marco, e trasse ispirazione dalle opere di maestri del primo Rinascimento come Paolo Uccello e Piero della Francesca.

Nel 1955 Botero era di nuovo in Colombia . Sposò Gloria Zea (una futura direttrice dell’Istituto Colombiano di Cultura) prima che la coppia si trasferisse a Città del Messico nel 1956. Fu mentre era in Messico che Botero ebbe il suo “momento eureka” con il suo dipinto (1956). Come spiegato dalla Custot Gallery di Dubai nella sua voce del catalogo Botero, il dipinto ha segnato “una svolta importante nella carriera [di Botero]. Modificando le dimensioni del foro centrale dello strumento, sono cambiate anche le proporzioni del mandolino, dando l’impressione che il strumento stava crescendo. Botero sentiva che era successo qualcosa di importante. D’ora in poi, ha trovato il suo stile e avrebbe giocato con le proporzioni e la distorsione del volume, non solo nella sua figura umana ma anche nelle sue nature morte”. Lo stesso Botero ha ricordato: “Mi ci sono voluti quindici anni per fare un ‘botero’ dall’inizio alla fine, ma insistevo sulla stessa idea e sullo stesso universo […] aveva coerenza, ed era il risultato di un’ossessione per il mandolino “.

Nel 1957, la coppia si recò a Washington D.C. per la sua prima mostra negli Stati Uniti, dove, ancora una volta, ogni pezzo fu acquistato da collezionisti. Nel 1958 Botero tornò in Colombia dove assunse l’incarico di professore di pittura all’Accademia d’arte di Bogotá. Nel 1960 Botero e Zea, che ormai avevano tre figli (Fernando, Lina e Juan Carlos), divorziarono e si trasferì a New York. Botero rimase a New York per oltre un decennio, dapprima vivendo nel Greenwich Village, trasferendosi in uno studio nel Lower East Side nel 1963, prima, dopo aver sposato la sua seconda moglie, Cecilia Zambrano, nel 1964, trasferendosi in uno studio sulla Fifth Avenue .

Mentre era a New York, Botero dipinse una delle sue prime critiche allo stato colombiano. (1967) raffigura il presidente colombiano con la moglie, la suocera e la figlia, affiancati da un generale militare e da un vescovo. Le proporzioni gonfiate delle sue figure sono rese con colori piatti e luminosi e contorni forti che devono allo stile dell’arte popolare latinoamericana. Sebbene non abbia commentato il dipinto, l’opera, che, dal punto di vista compositivo, rispecchiava la ritrattistica situazionale formale eseguita con tale abilità da Goya o Velázquez, è stata ampiamente considerata come una satira sottilmente velata sul potere e sulla corruzione dello stato colombiano.

< h3 class="article-subheader">Periodo maturo

Nel 1972 Botero aprì un altro studio, questa volta a Parigi, poiché le sue attenzioni si rivolgevano sempre più alla scultura. Era il mezzo perfetto attraverso il quale espandere lo stile e i temi della sua pittura. Botero e Cecilia hanno avuto un figlio, Pedro, nel 1974 ma l’anno successivo la coppia ha divorziato. Nel 1978 Botero si sposò per la terza volta con la scultrice e pittrice greca Sophia Vari (rimangono sposati fino ad oggi). Tuttavia, la tragedia colpì nel 1979 quando Pedro fu ucciso, e Botero gravemente ferito, in un incidente d’auto mentre la famiglia era in vacanza in Spagna.

Nel 1983, Botero istituì un studio a Pietrasanta, Italia, per la produzione esclusiva delle sue sculture (poiché la zona è nota per le sue cave e fonderie di marmo). Dice: “Amo vivere a Pietrasanta. Questo paese è diventato una grande famiglia, un luogo dove tutti mi conoscono e dove posso condividere una parola informale e un bicchiere di vino. Mi piaceva dipingere nella piccola cappella della Misercordia. Ho ha regalato due affreschi in segno del mio amore per questa terra […] Vado al mare in macchina o in bicicletta. Ho diverse case in giro per il mondo, ma sentimentalmente parlando questa è la mia dimora preferita”.

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Dal suo soggiorno a Città del Messico (metà degli anni ’50) la pittura di Botero rifletteva spesso l’influenza del Muralisti messicani Diego Rivera e David Alfaro Siqueiros. Come loro, ha iniziato a utilizzare schemi di colori forti e si è reso conto di avere la responsabilità di esplorare temi e argomenti relativi alla cultura, al patrimonio e all’identità colombiana e latinoamericana. Ovviamente aveva già prodotto diversi dipinti su questo tema (in particolare i suoi dipinti di corrida), ma nel 1980 stava rivolgendo la sua attenzione in modo più concertato all’identità culturale popolare della Colombia con scene di locali notturni colombiani e musicisti e ballerini latinoamericani.

La scrittrice d’arte Elena Martinique afferma che con opere come “si può immaginare l’inebriante confluenza di musica ad alto volume e odori di sudore, tabacco, liquori e colonia a buon mercato che riempiono lo spazio”. Mentre alcuni studiosi e critici erano inclini a leggere l’opera come un “commento sociale”, che allude a accadimenti illeciti nei locali notturni (come la prostituzione), lo storico dell’arte Kacper Grass legge la stessa immagine quando rivela le “origini operaie” di , uno stile di danza e musica tradizionale colombiano che fonde influenze indigene, nere e spagnole. Da parte sua, Botero ha affermato solo che “la musica, la letteratura e la pittura – tutte quelle oasi di perfezione che compongono l’arte – compensano la maleducazione e il materialismo della vita”.

Periodo tardo

Trasferendosi dalla fine degli anni ’80 agli anni ’90, Botero si dedicò sempre più alla sua scultura, con celebri mostre all’aperto dei suoi enormi animali e figure umane in bronzo. Ha prodotto diverse sculture “Great Cat” che sono apparse nelle città di tutto il mondo (tra cui Barcellona, ​​New York e Yerevan). Hanno confermato il suo fascino per la creatura felina che era già apparso in molti dei suoi dipinti, tra cui diversi ritratti di donne (forse come simbolo di femminilità e/o domesticità).

Botero's <i>Bird< ;/i> a Medellín è stato distrutto da una bomba nel 1995. Ha ricostruito la scultura originale e ha utilizzato alcune delle sue parti per creare una seconda scultura, <i>La colomba della pace</i>.

< p class="article-text">Nel 1994, Botero fu vittima di un fallito tentativo di rapimento a Bogotá. Nel giugno dell’anno successivo, questa volta a Medellín, un gruppo terroristico fece esplodere 22 libbre di dinamite sotto la sua scultura, che aveva donato alla città (oltre a 23 sculture in un parco vicino). L’attentato, avvenuto durante un festival musicale, ha ucciso trenta persone e ferito altre duecento. Il gruppo di guerriglia di sinistra FARC (Forza armata rivoluzionaria della Colombia) si è assunto la responsabilità dell’attentato, sostenendo che si trattava di vendetta contro il figlio di Botero, Fernando Botero Zea, che all’epoca era ministro della Difesa della Colombia e si era rifiutato di avviare negoziati politici con il gruppo. In risposta pacifica all’indignazione, Botero creò una nuova statua usando i resti di Pajaró. Lo chiamò e lo donò alla città. (Botero fu profondamente commosso dal bombardamento e nel 2000 donò un uccello di bronzo identico (non danneggiato) che ora si trova accanto allo statuto ricostruito del bombardamento. Sulla sua base sono incisi i nomi delle vittime del bombardamento.)

Negli anni ’90 Botero iniziò a concentrarsi maggiormente su questioni sociali e politiche, producendo serie di opere che trattavano esplicitamente della violenza della droga (tra cui rapimenti, massacri e autobombe) in Colombia. Ha detto della sua serie sulla violenza della droga in Colombia: “Sono diversi da quello che ho fatto in passato, la Colombia più gentile che conoscevo da ragazzo. Questa è una Colombia più violenta, più reale. Questo è il fatto che non possiamo ignorare”. Presto avrebbe rivolto la sua attenzione verso un’altra questione politica, questa volta usando la sua arte per coinvolgere gli Stati Uniti nelle violazioni dei diritti umani. La sua cosiddetta serie “” ha evidenziato la presunta tortura dei detenuti nella prigione di Abu Ghraib, a ovest di Baghdad. Botero è stato intervistato dal critico d’arte Kenneth Baker sulla serie. “L’arte è importante”, ha detto Botero, “perché quando le persone iniziano a dimenticare, l’arte ricorda loro cosa è successo. Le persone non ricorderebbero la tragedia di oggi se non fosse per quel dipinto [l’opera tardo cubista di Picasso Guernica (1937)]” . Botero ha descritto la sua serie in effetti come un periodo di “parentesi” di due anni e mezzo che, come descritto da Baker, “[rievocava] le circostanze della frenetica produzione di Picasso del suo grande anti- dichiarazione di guerra — un intermezzo tra i ritratti della sua amante dell’epoca, Dora Maar“.

Statua di Botero a Bilbao, Spagna

Nel 2006 Botero è tornato a temi più benigni nella sua arte. Durante una vacanza in Messico, ha visitato un circo itinerante che gli ha fornito l’ispirazione per una nuova serie. In effetti, lo stile Boterismo si è rivelato perfetto per il colore e il dramma umano del circo con Botero che ha prodotto più di 120 dipinti ad olio e 200 disegni sul tema del circo itinerante. Attualmente Botero vive e lavora tra Colombia, Francia, America e Italia, e continua ad esporre in tutto il mondo: “Mi piace spostarmi da un posto all’altro, conducendo una vita nomade, adatta sia a me che a mia moglie”, dice .

L’eredità di Fernando Botero

Il Museo Botero a Bogotá, in Colombia, ospita la collezione privata dell'artista, composta da 123 sue opere e 85 opere di altri artisti, tra cui Georges Braque, Marc Chagall, Salvador Dali, Joan Miró, Pablo Picasso, Claude Monet e Henri Matisse.

< p class="article-text">La fama di Botero si basa sul suo stile “Boterismo” unico e coerente, immediatamente riconoscibile e acclamato a livello internazionale. Come afferma il curatore Christian Padilla, “Fernando Botero è diventato un marchio, una personalità distintiva che può essere facilmente collegata alla Colombia”. Spesso frainteso semplicemente come “grasso”, le sue figure incarnano infatti una voluminosità sensuale e umoristica che può fungere anche da critica sociale. Come scrive il critico d’arte Rudy Chiappini: “La dilatazione dei soggetti [di Botero] conferisce loro dimensioni astratte, irreali e grottesche che sono studi di bellezza e terrore. Botero infonde nelle sue figure monumentali una sensualità sovrabbondante che rivela una gola della verità umana― dalla tortura all’avidità, dal piacere alla disperazione, all’assurdità, all’impassibilità e altro”.

Botero si definisce “l’artista più colombiano vivente”. Ha osato, nonostante le gravi minacce alla sua sicurezza personale, di rivelare gli aspetti buoni e cattivi della storia e della cultura colombiana nella sua arte. Infatti, con i suoi compatrioti Débora Arango e Pedro Alcántara, Botero ha contribuito a sviluppare la Neo-figurazione in Colombia; questa è una piacevole arte figurativa che osa anche fare satira e sfidare la corruzione e l’oppressione dello stato politico. Come ha riassunto la scrittrice d’arte Elena Cué, “Il bello e il violento si uniscono nell’immaginario boterian che ci avvicina all’anima della Colombia attraverso una reminiscenza nostalgica”.


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Fernando Botero pintor documental

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Fernando Botero

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