I doni di Michelangelo a Tommaso – michelangelo tommaso

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Il Metropolitan Museum of Art di NEW YORK ha recentemente allestito una mostra insolitamente ampia e completa di disegni e scritti del maestro italiano del Rinascimento Michelangelo Buonarroti (1475–1564). Tra le decine di disegni della mostra, intitolata (chiusa a febbraio), un gruppo forma un insieme di disegni eccezionalmente coerente e senza precedenti che solo raramente viene raccolto insieme.

            Tra il 1532 e il 1533, il 57enne Michelangelo donò sei disegni altamente rifiniti su soggetti mitologici e allegorici al giovane nobile romano amante dell’arte Tommaso de’ Cavalieri, grande amore del pittore-scultore-architetto vita lunga e spesso solitaria. Subito dopo il loro incontro a Roma, Michelangelo manifestò il suo appassionato desiderio per il ventenne eccezionalmente bello e intelligente sia nelle arti visive che in quelle verbali. Inondò Tommaso con dozzine di poesie d’amore, spesso strettamente legate per tema e immagini ai disegni. Le etichette sui muri e i post sul internet del Met trattavano più francamente e completamente il significato omoerotico di queste opere rispetto alle presentazioni precedenti, sebbene i limiti di spazio precludessero un’analisi approfondita di questo traguardo fondamentale nell’espressione di sé queer.

            Il denso gruppo di doni di Michelangelo era doppiamente innovativo. I cosiddetti “disegni di presentazione” hanno inventato un nuovo genere: composizioni dettagliate e raffinate che l’artista ha regalato solo ai suoi amici più cari. Queste belle ed elaborate opere hanno trasformato i disegni in una forma d’arte indipendente, non solo per schizzi preparatori usa e getta, ma anche in un mezzo per la comunicazione intima personale. Anche la sua poesia era originale e personale: il primo corposo corpus di versi in un linguaggio moderno indirizzato da un uomo all’altro. Per trovare una voce a questa passione, Michelangelo ha dovuto adattare e sovvertire la tradizione familiare della poesia d’amore da uomo a donna, incarnata dai versi del suo eroe letterario, Francesco Petrarca, in lode di Laura, per rivolgersi a un amato maschio.

            Presi insieme, questi disegni e queste poesie sono una confessione multistrato e dolorosamente onesta, sia una celebrazione che un’analisi dei sentimenti intensi ma contrastanti di Michelangelo per Cavalieri. Gli scorci che questa cornucopia creativa ci offre nella psiche dell’artista, inclusa la sua intensa religiosità, prefigurano l’arco della sua vita e della sua carriera nei suoi ultimi decenni.

            Poche persone oggi sanno che Michelangelo era un poeta oltre che un artista visivo, ma i suoi contemporanei erano ben consapevoli della sua devozione alla parola scritta. Già nel 1510 il suo acerrimo rivale nelle officine vaticane, il pittore Raffaello, lo raffigurava nel suo affresco —un ritratto di gruppo dei loro famosi contemporanei vestiti da antichi greci—come Eraclito, il “tetro filosofo”, che scrive su un foglio di carta appoggiata su un blocco da scultore (figura 1). Michelangelo potrebbe, ovviamente, essere irritabile e depresso. Una delle sue prime poesie, il cui autografo è stato esposto nella mostra, lamenta il disagio di affrescare il soffitto della Cappella Sistina, mentre Raffaello lo stava dipingendo nella Scuola di Atene in fondo al corridoio. Come molti fogli della mano di Michelangelo, unisce scrittura e disegno, in questo caso un cartone animato di se stesso che allunga goffamente il collo all’indietro di quasi novanta gradi per dipingere sulla superficie sopra la sua testa.

            Michelangelo è stato il primo artista ad essere così profondamente coinvolto nelle parole e nelle immagini, e il più grande fino a William Blake alla fine del XVIII secolo. Per lui, testo e immagine erano armi complementari nel suo arsenale espressivo: solo le immagini visive potevano catturare la bellezza esteriore della persona amata, ma ci voleva la specificità delle parole per trasmettere le sue qualità interiori, le ragioni più profonde della connessione emotiva. Dico “suo” perché Michelangelo scriveva sia a uomini che a donne e dava disegni a entrambi i sessi. Ma i doni dei Cavalieri meritano un’attenzione speciale come prime lettere d’amore multimediali di questo tipo e come le prime tra uomini, un primo punto di riferimento nella graduale comparsa di voci minoritarie che sono fiorite pienamente solo nei tempi moderni.

            Le immagini e le poesie catalogano un’ampia varietà di risposte alla sua infatuazione per Cavalieri, dall’estasi alla paura alla preoccupazione per la reputazione pubblica dei due uomini. Il primo paio di immagini che ha inviato illustrano i suoi temi complementari: gli aspetti positivi e negativi dell’amore, che possono indurre gioia e dolore, gioia estatica e terrore impotente.

            A incarnare il lato positivo dell’amore è il bel pastore mortale, Ganimede (figura two), che attirò l’attenzione amorosa di Giove, il re degli dèi indaffarato e bisessuale. Il primo disegno (di cui sopravvive solo una copia) raffigura Giove che piomba sulla terra, travestito da aquila, e porta il giovane ad essere il suo coppiere e amante celeste. Il lato negativo dell’amore è rappresentato dal gigante primitivo Tizio (figura three), che tentò di violentare la dea Latona, per la quale fu incatenato a una roccia negli inferi, dove un avvoltoio perennemente beccava il suo fegato. La sua macabra punizione simboleggia la condanna della lussuria incontrollata o proibita.

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           Presentati alla sua amata all’inizio della loro relazione, questi disegni accoppiati, e le poesie ad essi collegate, annunciano la tragica ambivalenza che Michelangelo soffrì per tutta la vita verso l’amore, verso la bellezza terrena che lo stimola e verso la bellezza creata dell’arte. Come ha ammesso a Tommaso nella poesia 76 (di cui la sua copia autografa era in mostra):

     Questo, signore, mi è successo da quando ti ho visto:
un’amara dolcezza, un sì e un no mi commuove sicuramente devono essere stati i tuoi occhi.

 

Oltre all’ammirazione della bellezza mortale, i messaggi più profondi del disegno di Ganimede vengono rivelati in poesie correlate. Testi e immagini sono strettamente intrecciati, ricordando la complementarietà colta nella frase dell’autore romano Orazio ut pictura poesis: una poesia è come un dipinto, e viceversa, due facce della stessa medaglia psichica.

                Anche se il giovane e imberbe Ganimede corrisponderebbe più strettamente per età e aspetto a Cavalieri, qui sostituisce Michelangelo, che sviene nella morsa trascendente della bellezza divina e ispiratrice di Tommaso. In numerose poesie, Michelangelo evoca quel senso di esaltazione, sia fisica che spirituale, attraverso immagini parallele di ali e volo verso l’alto. Questo dalla poesia 83:

 

Vedo nel tuo bel viso, mio ​​signore,
cosa difficilmente può essere correlato in questa vita:
la mia anima, sebbene ancora rivestita della sua carne,
è già risorto spesso con esso a Dio.
… ogni bellezza vista qui [sulla terra] assomiglia…
quella fonte misericordiosa da cui tutti deriviamo [cioè Dio]
…così chi ti ama con fede
si eleva a Dio.

 

In altre parole, Michelangelo non solo si dilettava del corpo fisico di Tommaso, ma considerava quella sublime bellezza come un riflesso dell’eterna perfezione di Dio, un edificante assaggio della gioia celeste. Immagina l’amore come una scala, sulla quale i gradini più bassi della bellezza terrena possono ispirare l’amante verso l’alto verso un’unione simile ma più profonda con Dio. Il suo amore per Cavalieri è giustificato e nobilitato da questa funzione spiritualizzante. Nel disegno, ci dilettiamo nella visione di un’emozione terrena estatica nel poema comprendiamo le sue sfumature divine.

            La teoria dell’amore di Michelangelo è nata dalla filosofia popolare rinascimentale del neoplatonismo, che ha tentato di conciliare la tradizione greca e i valori cristiani, spesso trovando interpretazioni allegoriche dei miti pagani, in particolare dei loro elementi erotici. Una copia incisa del suo Ganimede (figura four), realizzata per illustrare un libro di emblemi moralizzanti, mostra come questi filosofi riconobbero le loro idee nell’immagine di Michelangelo e si appropriarono di queste idee per arricchire la propria tradizione. Per loro, il nome “Ganimede” deriva dalle parole greche per “godimento dell’intelletto”, e il mitico pastore simboleggia l’anima pura e innocente attirata verso il cielo dall’amore di Dio, mentre il cane in basso rappresenta i desideri terreni vili lasciati alle spalle in quella salita estasiata.

           

Somiglianze sia nella forma che nel contenuto collegano il Ganimede a un altro dei disegni dei Cavalieri, (figura five), ​​che illustra anche gli ideali neoplatonici sull’ascesa dell’anima al divino, aiutata dalla bellezza. Il legame tematico è sottolineato visivamente dal nudo maschile centrale, simile per corporatura e posa a Ganimede (quattro dei disegni presentano variazioni di questo stesso uomo muscoloso dalla faccia liscia). Le figure vorticose e oniriche intorno a lui rappresentano i sette peccati capitali, come la gola, l’avarizia e la lussuria. Uno spirito alato, personificazione della bellezza e dell’amore casto, aleggia sul giovane con una tromba, risvegliandolo dalle tentazioni mondane a una vita spirituale trascendente. È difficile trovare un significato preciso e letterale per questa complessa allegoria, ma questo era il punto: i disegni di presentazione erano progettati per provocare un attento esame e una discussione dotta, un’altra forma di comunione tra donatore e ricevente. Su un piano più poetico, invece, condivide i temi della lotta tra i piaceri carnali e spirituali e il desiderio di liberare l’anima immortale dalla sua temporanea prigione terrena.

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            Il paziente Tizio rappresenta il polo opposto del desiderio, la concupiscenza che si esprime attraverso il corpo, non la mente. Due tipi di dolore si sovrappongono in questa immagine: il dolore imposto dall’esterno della punizione per la passione illecita – un tema particolarmente risonante per un uomo che ama un altro uomo – e i dolori più interiori che un amante prova quando la sua amata è assente o non risponde. Le poesie lamentano il suo senso di impotenza: si definisce più volte “schiavo” o “prigioniero” dell’amore che viene “torturato” e “martirizzato” dal desiderio frustrato. Scherza persino sul nome dell’uomo che ispira questa dolcezza amara (nella poesia 98):

 

Se, per essere felice, devo essere conquistato e incatenato,
non c’è da stupirsi che, nudo e solo,
Rimango prigioniero di un cavaliere armato.

 

            Altri due disegni della serie Cavalieri approfondiscono altre dolorose conseguenze dell’amore. In The Archers, Cupido fa un pisolino in primo piano mentre il suo esercito surrogato di arcieri punta le sue frecce invisibili in un’erma maschile, un simbolo scolpito di eros e fertilità. Frecce e dardi erano metafore petrarchesche convenzionali per le dolorose fitte del desiderio il loro spaventoso potere è evocato in questo schizzo attraverso una dozzina di nudi alla Ganimede, che trafiggono tutti il ​​maschio indifeso con un desiderio ardente che si manifesta anche in questa poesia (74):

 

Chi altro c’è che vive solo della sua morte,
Come faccio io, sulla sofferenza e sul dolore?
Oh, arciere crudele, conosci proprio il momento…

 

Nel disegno intitolato (figura six), Michelangelo raffigura una folla di bambini incontrollati, simili a cupidi, che si abbandonano a comportamenti sfrenati. Un gruppo in alto a destra beve da un’enorme vasca di vino, mentre uno di loro urina in un piatto. Un gruppo a sinistra alimenta le fiamme sotto un calderone bollente, mentre altri lottano con una bestia selvaggia che si contorce. Queste creature rappresentano istinti corporei, privi di ragione, animaleschi, come le figure in primo piano, una madre satiro mezza capra a sinistra e un uomo nudo svenuto dall’alcol.

            Questa fantasia da incubo racchiude il dilemma morale di Michelangelo: era combattuto tra il suo desiderio di unione appassionata con un altro uomo e la sua paura profondamente religiosa che tale passione potesse sfuggire al controllo. Si sentiva in colpa e insicurezza perché la cultura cristiana che aveva interiorizzato etichettava qualsiasi intimità fisica tra uomini come sodomia, condannata sia come peccato che come crimine. Non c’è da stupirsi che abbia negato sulla difensiva diverse accuse di sodomia e abbia insistito nella sua poesia che il suo amore era “casto” e “onesto”. Quando le voci sulla purezza delle sue intenzioni giunsero a Cavalieri, una poesia lo rassicurò di non ascoltare tali ipocriti, perché (poesia 83): “la marmaglia malvagia, crudele e stupida / punta il dito contro gli altri per quello che si sentono”. Comprensibilmente, quindi, Cavalieri era preoccupato per l’esposizione pubblica dei suoi doni d’amore. Scrisse a Michelangelo dopo che un potente cardinale dei Medici insistette per far copiare i disegni, lamentandosi che “ho fatto tutto il possibile per salvare il Ganimede [dall’essere copiato]”.

            Un disegno finale, in realtà una serie di tre, mette in evidenza un tipo di paura più interiore: l’ansia che un amante prova che il suo desiderio doloroso possa incontrare indifferenza o rifiuto. La prima bozza più abbozzata reca una richiesta scritta a Tommaso di rispedirla se non gli piace, o di approvarla per il completamento, suggerendo che queste composizioni non erano regali a sorpresa ma piuttosto, come le conversazioni condivise sui loro significati, qualcosa di uno sforzo collaborativo tra creatore e destinatario.

            Fetonte, figlio del dio sole Apollo, pregò il padre di permettergli di guidare il grande carro del sole trainato da cavalli, un compito erculeo per il quale l’adolescente mortale non era idoneo (figura 7). Apollo acconsentì con rammarico e, abbastanza prevedibilmente, il giovane arrogante sfrecciò selvaggiamente attraverso i cieli finché Giove, ancora più in alto, risolse la crisi facendo cadere Fetonte con un fulmine. Il peccato del giovane sfortunato è l’arroganza – orgoglio e ambizione prepotenti – un veicolo per il senso di presunzione di Michelangelo nell’osare “innamorarsi” del divino Tommaso. È come dire: temo che il mio amore per te possa finire solo in frustrazione e tragico fallimento.

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     Come per ogni dramma romantico, tutti noi vogliamo sapere come è andata a finire. Sfortunatamente, il disegno di Fetonte fu profetico: la passione estatica e terrificante di Michelangelo svanì gradualmente, come doveva, per ragioni di moralità ufficiale e barriere di classe. Come mostrano le sue poesie e le sue immagini, a Michelangelo e ai suoi contemporanei, l’obiettivo finale di questa vita mortale è elevare l’anima interiore verso un’unione estatica con Dio, non con l’umanità, indipendentemente dal sesso. In questa lotta, la mente deve trionfare sulla materia, lo spirito sul corpo.

     Le ultime quaranta poesie dell’artista non si rivolgono né all’amore né all’arte, se non per denigrarle come attività banali, distrazioni dalla ricerca della santità e della salvezza, che è diventata sempre più divorante man mano che l’artista ha vissuto fino alla fine degli anni ottanta. Alla fine della sua vita, rinunciò a entrambe le passioni della sua vita. Rifiutò l’arte come “carico di errore” e respinse l’amore come “gaio e stolto”, concludendo (poesia 285):

 

Né la pittura né la scultura saranno più in grado di farlo
Per calmare la mia anima, ora rivolta a quell’amore divino
Che ha aperto le sue braccia sulla croce per accoglierci.

 

            Sebbene le braccia di Ganimede cedessero il posto a quelle di Gesù, Cavalieri rimase un amico per tutta la vita, e persino un collega, completando i progetti di Michelangelo per il Campidoglio a Roma e confortandolo sul letto di morte nel 1564. La sua città natale, Firenze, organizzato un grande funerale. Tra le grandi tele temporanee erette per commemorare i suoi numerosi successi c’era una raffigurante Michelangelo incoronato da Apollo e le Muse per le sue realizzazioni letterarie. Ora un anziano dalla lunga barba, viene ancora mostrato mentre scrive versi su carta, proprio come lo aveva ritratto Raffaello mezzo secolo prima. La sua più grande fama rimane la sua arte visiva, ma la sua scrittura era una seria vocazione, essenziale per apprezzare le sue opere visive più personali. Michelangelo conobbe il suo più anziano connazionale Leonardo da Vinci, che fu anche uno scrittore prolifico quindi forse conosceva anche, e certamente sarebbe stato d’accordo, la concisa dichiarazione di Leonardo: “La pittura è poesia che si vede piuttosto che sentita, e la poesia è pittura che si sente piuttosto che vista”.

 


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